Gambar: Ihsan Muzium Naturhistorisches

Arca anda dalam sejarah seni, patung kecil berukuran lebih empat inci tinggi ini ditemui di Austria pada tahun 1908. Tiada siapa yang tahu apa fungsinya, tetapi tekaan telah berkisar dari dewi kesuburan hingga bantuan melancap. Sesetengah ulama mencadangkan ia mungkin potret diri yang dibuat oleh seorang wanita. Ia adalah yang paling terkenal daripada banyak objek sedemikian yang berasal dari Zaman Batu Lama.

Gambar: Ihsan CC/Wiki Media/Philip Pikart

Potret ini telah menjadi simbol kecantikan feminin sejak ia pertama kali ditemui pada tahun 1912 di dalam runtuhan Amarna, ibu kota yang dibina oleh Firaun paling kontroversi dalam sejarah Mesir Purba: Akhenaten. Kehidupan permaisurinya, Nefertiti, adalah sesuatu yang misteri: Dianggap bahawa dia memerintah sebagai Firaun untuk seketika selepas kematian Akhenaten—atau lebih mungkin, sebagai pemangku raja bersama Raja Tutankhamun. Sesetengah pakar Mesir percaya dia sebenarnya ibu Tut. Patung batu kapur bersalut stuko ini dianggap sebagai hasil tangan Thutmose, pengukir istana Akhenaten.

Gambar: Ihsan CC/Wikimedia Commons/Maros M raz

Ditemui pada tahun 1974, Tentera Terracotta ialah tembolok besar patung tanah liat yang dikebumikan dalam tiga lubang besar berhampiran makam Shi Huang, Maharaja China yang pertama, yang meninggal dunia pada 210 SM. Bertujuan untuk melindunginya di akhirat, Tentera dipercayai oleh beberapa anggaran berjumlah lebih daripada 8,000 tentera bersama-sama dengan 670 kuda dan 130 kereta kuda. Masing-masing bersaiz hidup, walaupun ketinggian sebenar berbeza mengikut pangkat tentera.

Gambar: Ihsan CC/Wiki Media/LivioAndronico

Mungkin arca yang paling terkenal pada zaman Rom,Laocoön dan Anak-anaknyapada asalnya digali di Rom pada tahun 1506 dan dipindahkan ke Vatican, di mana ia tinggal sehingga hari ini. Ia berdasarkan mitos seorang paderi Trojan yang dibunuh bersama anak lelakinya oleh ular laut yang dihantar oleh tuhan laut Poseidon sebagai balasan atas percubaan Laocoön untuk mendedahkan tipu muslihat Kuda Trojan. Pada asalnya dipasang di istana Maharaja Titus, kumpulan kiasan bersaiz hidup ini, dikaitkan dengan trio pengukir Yunani dari Pulau Rhodes, tiada tandingannya sebagai kajian penderitaan manusia.

Gambar: Ihsan CC/Wikimedia/Livioandronico2013

Salah satu karya paling ikonik dalam semua sejarah seni, Michelangelo's David mempunyai asal-usulnya dalam projek yang lebih besar untuk menghiasi penopang katedral besar Florence, Duomo, dengan sekumpulan tokoh yang diambil dari Perjanjian Lama. TheDavidadalah satu, dan sebenarnya dimulakan pada 1464 oleh Agostino di Duccio. Dalam tempoh dua tahun akan datang, Agostino berjaya mengosongkan sebahagian daripada blok besar marmar yang dipahat dari kuari terkenal di Carrara sebelum berhenti pada tahun 1466. (Tiada siapa yang tahu mengapa.) Seorang artis lain mengambil kelonggaran itu, tetapi dia juga, hanya mengerjakannya secara ringkas. Marmar itu kekal tidak disentuh selama 25 tahun akan datang, sehingga Michelangelo menyambung semula mengukirnya pada tahun 1501. Dia berusia 26 tahun pada masa itu. Apabila selesai, David mempunyai berat enam tan, bermakna ia tidak boleh dinaikkan ke bumbung katedral. Sebaliknya, ia dipamerkan di luar ke pintu masuk ke Palazzo Vecchio, dewan bandar Florence. Angka itu, salah satu penyulingan paling tulen dari gaya Renaissance Tinggi, serta-merta diterima oleh orang ramai Florentine sebagai simbol penentangan negara kota itu sendiri terhadap kuasa-kuasa yang menentangnya. Pada tahun 1873, theDavidtelah dipindahkan ke Galeri Accademia, dan replika telah dipasang di lokasi asalnya.

Gambar: Ihsan CC/Wiki Media/Alvesgaspar

Diakui sebagai pencetus gaya Baroque Rom Tinggi, Gian Lorenzo Bernini mencipta karya agung ini untuk sebuah gereja kecil di Gereja Santa Maria della Vittoria. Baroque berkait rapat dengan Counter-Reformation yang melaluinya Gereja Katolik cuba membendung arus Protestantisme yang melonjak merentasi Eropah abad ke-17. Karya seni seperti Bernini adalah sebahagian daripada program untuk mengesahkan dogma Paus, dihidangkan dengan baik di sini oleh genius Bernini kerana menjiwai adegan keagamaan dengan naratif dramatik.Ekstasiadalah contoh: Subjeknya—Saint Teresa of Ávila, seorang biarawati Karmelit Sepanyol dan ahli mistik yang menulis tentang pertemuannya dengan seorang malaikat—digambarkan ketika malaikat itu hendak melemparkan anak panah ke dalam hatinya.EkstasiNada erotiknya tidak dapat disangkal, paling jelas dalam ekspresi syahwat biarawati dan kain menggeliat yang membalut kedua-dua figura. Sebagai seorang arkitek sebagai seorang artis, Bernini juga mereka bentuk persekitaran Kapel dalam marmar, stuko dan cat.

Gambar: Ihsan The Metropolitan Museum of Art/Fletcher Fund

Artis Itali Antonio Canova (1757–1822) dianggap sebagai pengukir terhebat pada abad ke-18. Karya beliau melambangkan gaya Neo-Klasik, seperti yang anda boleh lihat dalam persembahannya dalam marmar wira mitos Yunani Perseus. Canova sebenarnya membuat dua versi karya itu: Satu tinggal di Vatican di Rom, manakala satu lagi berdiri di Mahkamah Ukir Eropah Muzium Seni Metropolitan.

Gambar: Muzium Seni Metropolitan

Walaupun sarjana Impresionis Edgar Degas terkenal sebagai pelukis, dia juga bekerja dalam seni arca, menghasilkan apa yang boleh dikatakan usaha paling radikal dalam usahanya. Degas bergayaPenari Kecil Berusia Empat Belas Tahundaripada lilin (yang mana salinan gangsa berikutnya dibuang selepas kematiannya pada 1917), tetapi fakta bahawa Degas memakaikan subjek eponimnya dalam kostum balet sebenar (lengkap dengan korset, tutu dan selipar) dan rambut palsu rambut asli menyebabkan sensasi apabilaPenarimemulakan kerjaya di Pameran Impresionis Keenam 1881 di Paris. Degas memilih untuk menutup sebahagian besar hiasannya dalam lilin untuk dipadankan dengan ciri-ciri gadis yang lain, tetapi dia mengekalkan tutu, serta mengikat reben yang mengikat rambutnya, begitu juga, menjadikan sosok itu sebagai salah satu contoh pertama objek ditemui. seni.Penariadalah satu-satunya arca yang Degas pamerkan sepanjang hayatnya; selepas kematiannya, kira-kira 156 lagi contoh ditemui merana di studionya.

Gambar: Ihsan Muzium Seni Philadelphia

Walaupun kebanyakan orang mengaitkan pengukir hebat Perancis Auguste Rodin denganSang Pemikir, ensemble ini memperingati insiden semasa Perang Seratus Tahun (1337–1453) antara Britain dan Perancis adalah lebih penting kepada sejarah arca. Ditugaskan untuk sebuah taman di bandar Calais (di mana pengepungan selama setahun oleh Inggeris pada tahun 1346 telah ditarik balik apabila enam orang tua bandar menawarkan diri mereka untuk dihukum mati sebagai pertukaran untuk menyelamatkan penduduk),The Burghersmengelak daripada format tipikal monumen pada masa itu: Daripada figura yang diasingkan atau dilonggokkan ke dalam piramid di atas alas yang tinggi, Rodin memasang subjek bersaiz hayatnya terus di atas tanah, sama rata dengan penonton. Pergerakan radikal ke arah realisme ini meleset dengan layanan heroik yang biasanya diberikan kepada karya luar seperti itu. DenganThe Burghers, Rodin mengambil salah satu langkah pertama ke arah arca moden.

Gambar: Ihsan CC/Flickr/Wally Gobetz

Pada tahun 1912, Picasso mencipta maket kadbod sekeping yang akan memberi impak luar biasa pada seni abad ke-20. Juga dalam koleksi MoMA, ia menggambarkan gitar, subjek yang sering diterokai Picasso dalam lukisan dan kolaj, dan dalam banyak aspek,Gitarmemindahkan teknik potong dan tampal kolaj daripada dua dimensi kepada tiga. Ia melakukan perkara yang sama untuk Kubisme, juga, dengan memasang bentuk rata untuk mencipta bentuk pelbagai rupa dengan kedua-dua kedalaman dan kelantangan. Inovasi Picasso adalah untuk mengelakkan ukiran konvensional dan pemodelan arca daripada jisim pepejal. Sebaliknya,Gitartelah diikat bersama seperti struktur. Idea ini akan bergema dari Konstruktivisme Rusia hingga ke Minimalisme dan seterusnya. Dua tahun selepas membuatGitardalam kadbod, Picasso mencipta versi ini dalam tin snipped

Gambar: Muzium Seni Metropolitan

Dari permulaan radikalnya hingga penjelmaan fasis terakhirnya, Futurisme Itali mengejutkan dunia, tetapi tidak ada satu pun karya yang menggambarkan kecelaruan pergerakan itu daripada arca ini oleh salah satu lampu terkemukanya: Umberto Boccioni. Bermula sebagai pelukis, Boccioni beralih kepada bekerja dalam tiga dimensi selepas lawatan 1913 ke Paris di mana dia melawat studio beberapa pengukir avant-garde pada zaman itu, seperti Constantin Brancusi, Raymond Duchamp-Villon dan Alexander Archipenko. Boccioni mensintesis idea-idea mereka ke dalam karya dinamik ini, yang menggambarkan sosok langkah yang ditetapkan dalam "keselanjaran sintetik" gerakan seperti yang diterangkan oleh Boccioni. Sekeping itu pada asalnya dicipta dalam plaster dan tidak dilemparkan dalam versi gangsa yang biasa digunakan sehingga tahun 1931, sejurus selepas kematian artis pada tahun 1916 sebagai anggota rejimen artileri Itali semasa Perang Dunia I.

Gambar: Ihsan CC/Flickr/Steve Guttman NYC

Dilahirkan di Romania, Brancusi ialah salah seorang pengukir terpenting dalam modenisme awal abad ke-20—dan sememangnya, salah seorang tokoh terpenting dalam keseluruhan sejarah arca. Semacam proto-minimalis, Brancusi mengambil bentuk dari alam semula jadi dan menyelaraskannya ke dalam representasi abstrak. Gayanya dipengaruhi oleh seni rakyat tanah airnya, yang sering menampilkan corak geometri yang bertenaga dan motif yang digayakan. Dia juga tidak membezakan antara objek dan asas, memperlakukan mereka, dalam kes tertentu, sebagai komponen yang boleh ditukar ganti-satu pendekatan yang mewakili rehat penting dengan tradisi arca. Sekeping ikonik ini ialah potret model dan kekasihnya, Margit Pogány, pelajar seni Hungary yang ditemuinya di Paris pada tahun 1910. Lelaran pertama diukir dalam marmar, diikuti dengan salinan plaster dari mana gangsa ini dibuat. Plaster itu sendiri telah dipamerkan di New York pada Pameran Persenjataan yang legenda pada tahun 1913, di mana pengkritik mengejek dan mempermainkannya. Tetapi ia juga merupakan karya yang paling banyak diterbitkan semula dalam rancangan itu. Brancusi bekerja pada pelbagai versiMlle Poganyselama lebih kurang 20 tahun.

Gambar: Ihsan Muzium Seni Moden

Roda Basikaldianggap yang pertama daripada buatan siap revolusioner Duchamp. Walau bagaimanapun, apabila dia menyiapkan karya itu di studio Parisnya, dia benar-benar tidak tahu untuk memanggilnya apa. "Saya mempunyai idea gembira untuk mengikat roda basikal ke bangku dapur dan melihatnya berputar," Duchamp kemudian akan berkata. Perjalanan ke New York mengambil masa 1915, dan pendedahan kepada keluaran besar barangan binaan kilang di bandar itu, untuk Duchamp menghasilkan istilah siap sedia. Lebih penting lagi, dia mula melihat bahawa membuat seni dengan cara tradisional, buatan tangan seolah-olah sia-sia pada Zaman Perindustrian. Mengapa perlu bersusah payah, katanya, apabila barangan perkilangan yang tersedia secara meluas boleh melakukan kerja itu. Bagi Duchamp, idea di sebalik karya seni itu lebih penting daripada cara ia dibuat. Tanggapan ini—mungkin contoh sebenar Seni Konseptual yang pertama—akan benar-benar mengubah sejarah seni ke hadapan. Sama seperti objek rumah biasa, bagaimanapun, yang asliRoda Basikaltidak bertahan: Versi ini sebenarnya adalah replika yang berasal dari tahun 1951.

Gambar: Muzium Seni Amerika Whitney, © 2019 Calder Foundation, New York/Artists Rights Society (ARS), New York

Perlengkapan kegemaran koleksi tetap Muzium Whitney,Sarkas Caldermenyaring intipati suka bermain yang dibawa oleh Alexander Calder (1898–1976) sebagai seorang artis yang membantu membentuk arca ke-20.sarkas, yang dicipta semasa artis di Paris, adalah kurang abstrak daripada "mudah alih" gantungnya, tetapi dengan caranya sendiri, ia sama kinetik: Diperbuat terutamanya daripada wayar dan kayu,sarkasberfungsi sebagai bahagian tengah untuk persembahan improvisasi, di mana Calder bergerak mengelilingi pelbagai figura yang menggambarkan penghibur, penelan pedang, penjinak singa, dsb., seperti ketua kelas dewa.

Gambar: Ihsan The J. Paul Getty Museum

Sebagai pelukis dan pereka permaidani serta pengukir, artis Perancis Aristide Maillol (1861–1944) boleh digambarkan sebagai Neo-Classicist moden yang meletakkan garis kemas, putaran abad ke-20 pada patung tradisional Yunani-Rom. Dia juga boleh digambarkan sebagai konservatif radikal, walaupun harus diingat bahawa walaupun avant-garde sezaman seperti Picasso menghasilkan karya dalam adaptasi gaya Neo-Klasik selepas Perang Dunia I. Subjek Maillol adalah wanita bogel, dan dalamL'Air, dia mencipta kontras antara jisim material subjeknya dan cara dia kelihatan terapung di angkasa—mengimbangi, seolah-olah, fizikal yang keras dengan kehadiran yang hilang.

Gambar: Ihsan CC/Flickr/C-Monster

Seorang artis Jepun yang bekerja dalam pelbagai medium, Kusama datang ke New York pada tahun 1957 kembali ke Jepun pada tahun 1972. Sementara itu, dia menetapkan dirinya sebagai tokoh utama di pusat bandar, yang seninya menyentuh banyak asas, termasuk Seni Pop, Minimalisme dan Seni Persembahan. Sebagai artis wanita yang sering merujuk kepada seksualiti wanita, dia juga merupakan pelopor Seni Feminis. Karya Kusama sering dicirikan oleh corak halusinogen dan pengulangan bentuk, kecenderungan yang berakar pada keadaan psikologi tertentu—halusinasi, OCD—yang dialaminya sejak kecil. Kesemua aspek seni dan kehidupan Kusuma ini dicerminkan dalam karya ini, di mana sebuah kerusi malas biasa yang dilapisi upholsteri ditimpa oleh wabak tonjolan phallic seperti wabak yang diperbuat daripada kain sumbat yang dijahit.

Gambar: Muzium Seni Amerika Whitney, New York, © 2019 Estate of Marisol/ Galeri Seni Albright-Knox/Persatuan Hak Artis (ARS), New York

Dikenali hanya dengan nama pertamanya, Marisol Escobar (1930–2016) dilahirkan di Paris kepada ibu bapa Venezuela. Sebagai seorang artis, dia dikaitkan dengan Seni Pop dan kemudiannya Op Art, walaupun dari segi gaya, dia tidak tergolong dalam mana-mana kumpulan. Sebaliknya, dia mencipta tableaux kiasan yang dimaksudkan sebagai sindiran feminis tentang peranan jantina, selebriti dan kekayaan. DalamWanita dan Anjingdia mengambil objektif terhadap wanita, dan cara piawaian kewanitaan yang dikenakan oleh lelaki digunakan untuk memaksa mereka akur.

Gambar: Ihsan CC/Flickr/Rocor

The Brillo Box mungkin adalah yang paling terkenal dalam siri karya arca yang dicipta oleh Warhol pada pertengahan 60-an, yang secara berkesan membawa penyiasatannya tentang budaya pop ke dalam tiga dimensi. Sesuai dengan nama yang diberikan Warhol kepada studionya—Kilang—artis itu mengupah tukang kayu untuk mengerjakan sejenis barisan pemasangan, memaku bersama kotak kayu dalam bentuk karton untuk pelbagai produk, termasuk Heinz Ketchup, Kellogg's Corn Flakes dan Campbell's Soup, sebagai baiklah pad sabun Brillo. Dia kemudian melukis setiap kotak dengan warna yang sepadan dengan warna asal (putih dalam kes Brillo) sebelum menambah nama produk dan logo dalam skrin sutera. Dicipta dalam gandaan, kotak itu sering ditunjukkan dalam susunan yang besar, dengan berkesan mengubah apa sahaja galeri yang berada di dalamnya menjadi faksimili gudang yang berbudaya tinggi. Bentuk dan pengeluaran bersiri mereka mungkin merupakan satu anggukan kepada—atau parodi—gaya Minimalis yang baru muncul ketika itu. Tetapi perkara sebenarKotak Brilloialah bagaimana penghampirannya yang hampir kepada perkara sebenar meruntuhkan konvensyen artistik, dengan membayangkan bahawa tidak ada perbezaan sebenar antara barangan perkilangan dan kerja dari studio artis.

Gambar: Ihsan CC/Flickr/Esther Westerveld

Nama Donald Judd adalah sinonim dengan Minimal Art, gerakan pertengahan tahun 60-an yang menyaring ketegangan rasionalis modenisme kepada perkara-perkara penting. Bagi Judd, arca bermaksud menyatakan kehadiran konkrit karya itu di angkasa. Idea ini diterangkan dengan istilah, "objek khusus," dan sementara Minimalis lain menerimanya, Judd boleh dikatakan memberikan idea itu ungkapan paling tulen dengan menggunakan kotak sebagai bentuk tandatangannya. Seperti Warhol, dia menghasilkannya sebagai unit berulang, menggunakan bahan dan kaedah yang dipinjam daripada fabrikasi industri. Tidak seperti tin sup Warhol dan Marilyns, seni Judd tidak merujuk apa-apa di luar dirinya. "Timbunan"nya adalah antara karyanya yang paling terkenal. Setiapnya terdiri daripada sekumpulan kotak cetek yang serupa yang diperbuat daripada kepingan logam tergalvani, menjolok dari dinding untuk mencipta lajur elemen yang sama rata. Tetapi Judd, yang bermula sebagai pelukis, sama berminat dengan warna dan tekstur seperti bentuknya, seperti yang dilihat di sini oleh lakuer auto-badan berwarna hijau yang digunakan pada muka hadapan setiap kotak. Interaksi warna dan bahan Judd memberiTidak Bertajuk (Timbunan)keanggunan rapi yang melembutkan absolutisme abstraknya.

Gambar: Ihsan CC/Flickr/Rocor

Seperti Benglis, Hesse adalah seorang artis wanita yang menapis Postminimalism melalui prisma feminis yang boleh dikatakan. Seorang Yahudi yang melarikan diri dari Nazi Jerman semasa kecil, dia meneroka bentuk organik, mencipta kepingan dalam gentian kaca industri, lateks dan tali yang menimbulkan kulit atau daging, alat kelamin dan bahagian badan yang lain. Memandangkan latar belakangnya, tergoda untuk mencari arus bawah trauma atau kebimbangan dalam kerja seperti ini.

Gambar: Ihsan Muzium Seni Moden

Mengikuti Judd dan Flavin, sekumpulan artis meninggalkan estetika garis bersih Minimalism. Sebagai sebahagian daripada generasi Pascaminimalis ini, Richard Serra meletakkan konsep objek khusus pada steroid, dengan meluasnya membesarkan skala dan beratnya, dan menjadikan undang-undang graviti sebagai sebahagian daripada idea itu. Dia mencipta tindakan pengimbangan yang tidak menentu dari keluli atau plat plumbum dan paip dengan berat dalam tan, yang mempunyai kesan memberikan rasa ancaman kepada kerja itu. (Dua kali, rigger yang memasang kepingan Serra terbunuh atau cacat apabila kerja itu runtuh secara tidak sengaja.) Dalam beberapa dekad kebelakangan ini, kerja Serra telah menggunakan penambahbaikan lengkung yang menjadikannya sangat popular, tetapi pada awalnya, berfungsi seperti One Ton Prop (House of Cards), yang menampilkan empat plat plumbum yang disandarkan bersama, menyampaikan kebimbangannya dengan terus terang yang kejam.

Gambar: Ihsan CC/Wikimedia Commons/Soren.harward/Robert Smithson

Mengikuti aliran budaya balas umum pada tahun 1960-an dan 1970-an, artis mula memberontak menentang komersialisme dunia galeri, membangunkan bentuk seni baharu yang radikal seperti kerja tanah. Juga dikenali sebagai seni tanah, tokoh utama genre ini ialah Robert Smithson (1938–1973), yang, bersama artis seperti Michael Heizer, Walter De Maria dan James Turrel, meneroka padang pasir di Amerika Syarikat Barat untuk mencipta karya monumental yang bertindak secara konsert dengan persekitaran mereka. Pendekatan khusus tapak ini, seperti yang dipanggil, sering menggunakan bahan yang diambil terus dari landskap. Begitulah halnya dengan SmithsonJeti Lingkaran, yang menjorok ke Great Salt Lake Utah dari Rozel Point di pantai timur laut tasik. Diperbuat daripada lumpur, kristal garam dan basalt yang diekstrak di tapak,Langkah Jeti Lingkaran1,500 kali 15 kaki. Ia ditenggelami di bawah tasik selama beberapa dekad sehingga kemarau pada awal 2000-an membawanya ke permukaan semula. Pada tahun 2017,Jeti Lingkarandinamakan karya seni rasmi Utah.

Gambar: Ihsan CC/Wikimedia Commons/FLICKR/Pierre Metivier

Karya tandatangan artis kelahiran Perancis itu,labah-labahtelah dicipta pada pertengahan 1990-an apabila Bourgeois (1911-2010) sudah berusia lapan puluhan. Ia wujud dalam pelbagai versi dengan skala yang berbeza-beza, termasuk beberapa versi yang monumental.labah-labahdimaksudkan sebagai penghormatan kepada ibu artis, pemulih permaidani (oleh itu kiasan kepada kecenderungan araknid untuk berputar web).

Shutterstock

Pemenang Hadiah Turner yang berprestij pada tahun 1994, Antony Gormley ialah salah seorang pengukir kontemporari yang paling terkenal di UK, tetapi dia juga terkenal di seluruh dunia kerana pandangannya yang unik tentang seni kiasan, yang mana pelbagai variasi dalam skala dan gaya diasaskan, untuk sebahagian besar, pada templat yang sama: Pelakon badan artis itu sendiri. Itu benar tentang monumen bersayap besar yang terletak berhampiran bandar Gateshead di timur laut England. Terletak di sepanjang lebuh raya utama,Malaikatmelonjak hingga 66 kaki tinggi dan menjangkau 177 kaki lebar dari hujung sayap ke hujung sayap. Menurut Gormley, karya itu dimaksudkan sebagai semacam penanda simbolik antara masa lalu perindustrian Britain (patung itu terletak di negara arang batu England, pusat Revolusi Perindustrian) dan masa depan pasca industrinya.

Dengan hormat CC/Flickr/Richard Howe

Digelar mesra "The Bean" oleh orang Chicago kerana bentuk ellipsoidalnya yang bengkok,Pintu Awan, pusat seni awam Anish Kapoor untuk Taman Milenium Bandar Kedua, adalah kedua-dua karya seni dan seni bina, menyediakan laluan gerbang sedia Instagram untuk kereta sorong Ahad dan pelawat lain ke taman itu. Dibuat daripada keluli bercermin,Pintu AwanReflektif rumah keseronokan dan berskala besar menjadikannya karya Kapoor yang paling terkenal.

Dengan hormat artis dan Greene Naftali, New York

Karya Rachel Harrison menggabungkan formalisme yang sempurna dengan kebolehan untuk menanam unsur-unsur yang kelihatan abstrak dengan pelbagai makna, termasuk makna politik. Dia sangat mempersoalkan monumentaliti dan prerogatif maskulin yang menyertainya. Harrison mencipta sebahagian besar arcanya dengan menyusun dan menyusun bongkah atau papak Styrofoam, sebelum menutupnya dengan gabungan simen dan lukisannya berkembang pesat. Ceri di atas adalah sejenis objek yang ditemui, sama ada bersendirian atau digabungkan dengan yang lain. Contoh utama ialah peragawati ini di atas bentuk yang memanjang dan disimbah cat. Memakai jubah, dan topeng Abraham Lincoln yang menghadap ke belakang, karya itu menghantar teori manusia hebat sejarah dengan kebangkitan penakluk Dunia Purba berdiri tegak di atas batu berwarna badut.